光影记录《牡丹亭》

【副篇名】——访台湾著名摄影师许培鸿

【作者】 杨臻

【出版日期】2014.08.30

【版次】B02_03版:城市-中山客

【入库时间】20140930

【全文】

《惊梦》

忆女

许培鸿十年忘我地拍摄白先勇的青春版《牡丹亭》，把该作品的情感与美感通过20万帧照片，细腻地定格于欣赏者面前。

许培鸿 台湾著名摄影家，摄影作品广泛涉猎于戏曲、音乐、舞蹈、世界人文、地理等系列。二十多年的摄影生涯，以易感的心与之交会，以入戏的方式在异地上重新审视自己。 2004年文艺界盛事莫过于白先勇监制的青春版《牡丹亭》，因许培鸿对美的绝对坚持获得白先勇的认可与信赖，负责整体纪录摄影创作至今，投入八年昆曲作品的积累达到二十几万张。许培鸿将新的视觉元素注入传统之中，让传统与现代激发出新生命，所拍摄青春版《牡丹亭》的作品珍贵地将中国最古老、最精致、最经典的昆曲表演艺术纪录保存了下来，开创了戏曲史上拍摄的新纪录。

“原来姹紫嫣红开遍，似这般都付与断井颓垣。良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院？”水袖轻舞，莺啼燕啭，一曲《牡丹亭》，数百年来吟唱着那个梦觉难辨、缠绵瑰丽的爱情传奇，醉了无数人心。而白先勇先生青春版《牡丹亭》的专属摄影师许培鸿，则以镜头记录下台前幕后的清心玉映、羞赧姿仪。从2004 年至今，十年的光阴沉淀，累积逾20万帧唯美画面，柔曼悠远的昆曲唱腔穿透影像隐隐释出，以别样的方式重现剧中缥缈情事，予人绵长感动与无限遐想。

从最初的单纯记录，到后来的美学实验与独立创作，《牡丹亭》的相关摄影展，如花般在各地绽放，而许培鸿的名字，亦为更多人所熟知。无论是在国家大剧院作安迪·沃荷式的新视觉呈现，在幽暗空间里搭配宽屏与音乐缔造动态影像；还是在“方所”的长绸幕布下将古典舞台意象油画化，在园林式的情境里以苏绣形式展现戏服的韵律美……这一切皆源于那个在苏州艺圃为薄衣浓妆的演员们拍摄剧照的寒冬，更灌注了摄影者对《牡丹亭》与昆曲与日俱增的认知与深情。在由著名作家白先勇联合两岸三地文化精英打造的青春版《牡丹亭》于11 月22日莅临中山之前，许培鸿接受了记者采访，畅谈昆曲那折动人心之美，还有他与《牡丹亭》之间的特别缘分。

守

专业摄影者的使命感

记者：拍摄《牡丹亭》多年，您坚持下来的最大动力是什么？

许培鸿：《牡丹亭》本身富含底蕴，确实令人百看不厌。昆曲是美的，人本性里就喜欢美的元素。在白老师找我拍《牡丹亭》以前，其实我对昆曲知之甚少，但也广泛接触过各类艺术，而艺术到最后是相通的。如果说要透过我的技术和经验达到影像之美，那顶多是第一年的事。我看过太多的表演艺术，都只是刹那轰动、好景不长，这时你会感叹，拍再好的作品也不过昙花一现。但拍摄《牡丹亭》，我也没想过它后面会持续多久，只觉得终于可以跟敬仰已久的白先勇先生碰面，其后又被优秀的制作团队激发出摄影热情。待我拍摄到第三十场左右时，有演员问我为何拍不腻，但其实每次被授权，我都有种使命感，反而没想到自己已反复拍摄那么多次。

青春版《牡丹亭》的每次演出，白老师都是以推广文化艺术的态度在进行。他要求上中下三场一轮，这对剧院来说压力很大，最初很多人冷眼旁观，觉得没有观众会连看三场，哪怕白老师对自己的美学与信念再有信心再坚持，也都会有些许动摇。但整个制作团队仍是全力以赴，而我亦如此，所以首次拍摄也做足了功课。我不能接受自己拍不好，因为我在台北表演艺术圈拍了十几年，有自己的口碑与观众。我是因为真心喜欢摄影和创作，才进入这个行业。如今数码摄影普及，很多人都能随便拍出六七十分的作品，因此身为专业摄影者，更需表达出自己独到的见解与看法、观点与美感，展现出《牡丹亭》一路走来的精彩和精华。

创

艺文与科技相融共生

记者：在后来的《牡丹亭》主题摄影展中，您曾作出各种尝试，比如新视觉呈现或将影像制作成油画等，为何会有这些灵感？在实现这些创意时又有何困难？

许培鸿：创作者最怕有时间、资金，却灵感耗尽。在用这么多年拍摄青春版《牡丹亭》以后，这其实只是你作为影像创作者，完成了阶段性的责任，但要把作品变成展览，又是另一回事。譬如说实现影像动态化，最重要的是如何把创作者的想法与技术结合。如果有技术没创意，那就只能像投影般以普通的声光效果传达基本美感，可是缺乏生命力。

现在有太多的文创产品只有设计，没有文化在里面，而我很庆幸自己的能力被环境逼出来，能在几次展览中充分结合科技、艺术与文化。我不能单纯固守摄影者的角色，而需要吸收更多专业，但在涉猎这些专业后，又不能迷惑，要回归本职。一个人的专业走到最后，会有低潮，会受到社会的冲击，会有专业被剥夺的威胁感。好在我平时常旅行，也从事人文与自然方面的摄影创作，这些都能帮助我收集与积累灵感。

信

实力与美感会征服一切

记者：最初参与青春版《牡丹亭》的拍摄时，有何感受？

许培鸿：我在拍《牡丹亭》之前，从事表演艺术摄影已久，最初拍摄古典音乐家居多，以肖像为主，后来又涉猎现代舞蹈，再延伸至更广泛的领域，到了第三阶段才接触京剧、歌仔戏等戏曲种类。就我的专业而言，拍到好的画面不难，但唯独开始接触白老师的《牡丹亭》时，才算是崭新的体验和挑战。因为我很少连续几年拍同一部戏、同一组人，而这种拍摄方式可能会使影像创作者负成长；当你不够用心或创作力疲乏时，就不能真正拍出其味道来。从事影像创作都是喜新厌旧的，开始时的新鲜感、直觉与敏锐度总是最高，加上积累的功力与经验，捕捉更精准，但多次以后，就很考验你如何维持创作力与专业水准。因此拍摄《牡丹亭》时，我也是在检视自己。

我很珍惜每次跟拍的机会，因为《牡丹亭》的一路成长非常艰辛。它在台湾苏州两边都缺乏认同与资助，处境尴尬，而白老师也怕依靠官方会绊手绊脚无法施展，宁愿凭一己之力推广其昆曲美学，所以每次演出都要亲自募款制作。再加上当时有些批评与攻击的声音等，这背后的点点滴滴，以白老师那么高的学术地位，竟都要承受。可见学术圈与艺术圈也很现实，并非东西好就能理所当然地被接受。但到最后，作品的实力与美感会征服一切。

赌

惊鸿一瞬源于熟悉

记者：十年下来，您对《牡丹亭》与昆曲的认识与喜爱是否更深？

许培鸿：我是站在类似戏迷的角度去喜爱它的。白老师的青春版《牡丹亭》让人中毒，他对昆曲的要求不仅是唱腔，还包括整个演出的身段、服装、舞台、灯光等各种要素。剧本也是许多学者久经推敲讨论得出的结果，因为并非每个折子都适合演出，如何才能不煽情地保留原本的情感与美感，同时适合欣赏，白老师以大师和美学家的角度去规划整理，令人折服。我当初就是用最原始的心去看剧，以最直觉的方式去欣赏，从而收获感动与感触。

在拍人像时，经验往往不完全适用，因为对象的情绪与状态可能不同。最初几次拍摄，我都先拟好计划，后来却发现那没有用。拍摄舞台的最佳位置是观众席前排正中间，但往往条件受限，比如剧院禁止摄影，那就可能要到灯控室等偏远位置工作。如此一来，尤其在微弱的气氛光下，就只能看见演员的身影轮廓，几乎连对焦都成问题。后来在没有办法的情况下，我也会到舞台侧面，急中生智时便能捕捉到好画面。还有在校园演出中，舞台布景不正式，不能入镜，我就会转到后台去。一台戏在进行时有360度，创作全在于你的思维与用心。我在拍戏时也在看戏，许多细节之处，像是离别时的眼泪等，观众未必注意到，而我都能透过长镜头看清。像是有一幕，杜丽娘推开母亲与她离别，若是快门速度太快，两个人物都会静止，所以谁主谁副，动作是流动的，要用慢速度凝结，这就必须在动作开始前几秒想到，继而改变曝光规格。还有一幕是判官从桌上劈腿跳起，杜丽娘抛开水袖，两个动作同时平衡伸展。这些都要等待适当的时机，因为我不太用后制，在摄影时要忠于自己的专业。